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摄影艺术作为一种“有意味的形式”,应该具有怎样的审美意味和表达方式,一直是摄影从事者和艺术批评家争论和摸索的过程.本文通过对摄影思潮发展历程的分析,将摄影与绘画的审美意味进行对比,探讨两种艺术形式的联系与区别,确立摄影的意味在于它通过摄影师的主观选择,拍摄来自于真实客观世界的时空片段,通过光线、色彩、线条以及题材等感人形式,激发观赏者的审美情感和心灵体验.
对摄影“意味”的摸索
英国文艺批评家克莱夫·贝尔于19世纪末提出“有意味的形式”理论,他认为：“在各个不同的作品中,线条、色彩以及某种特殊方式组成某种形式或形式间的关系,激起我们审美感情.这种线、色彩的关系和组合,这些审美的感人形式,我称之为有意味的形式.‘有意味的形式’就是一切视觉艺术的共同性质”（顾铮.编译.西方摄影文论选浙江摄影出版社,2013.2.）.
在贝尔的“有意味的形式”理论中,“意味”的这种审美情感是一种超然于生活之上的纯形式审美,它不需要生活的观念和,这显然与康德美学的“非功利审美”境界相一致.摄影作为一种视觉形式艺术,是否具有这样的审美意味,它应该具有怎样的审美意味,一直是一个不断争论和探索的过程.
摄影技术发明于1839年.在诞生之初,它仅仅是被看作对客观世界的机械复制,是对自然世界的不可思议地超真实“模仿”.（顾铮编译.西方摄影文论选浙江摄影出版社,2013.2.）这种模仿却被当时的文艺界所厌恶：绘画大师安格尔曾上书禁止使用摄影术,他对摄影术剥夺艺术家对自然再现的独享权感到愤怒；艺术批评家波德莱尔视摄影为“妖魔”,他认为摄影使大众惊诧沉迷于复制世界的真实性而会逐渐失去理会真正的“美”的能力.
然而大众对摄影的喜爱是不可阻止的,摄影的发展成为历史的必然趋势.推崇者们需要摄影摆脱“机械复制”的恶名,让它获得相应的艺术认可和地位,就必须找到摄影艺术发展的方向,于是在摸索的过程中,他们向绘画学习.
这种尝试首先是高艺术摄影.为达到绘画的“艺术效果”,高艺术摄影接受当时艺术评论家们关于“要掩盖平凡和丑陋”的告诫,避免表现日常生活题材,借用诗歌、历史传说和《圣经》题材阐述道德教义.摄影家铺设精巧背景、布置豪华陈设、精心装饰和指导模特,作品如同定格的戏剧舞台.奥斯卡·古斯塔夫·雷德兰在1857年“曼彻斯特真品展览会”展出的多层底片叠放的作品《两种人生》是这样风格的代表作.19世纪末当印象派绘画已经被完全认可和流行的时候,印象派摄影运用柔焦和软焦手法,甚至用画笔和橡皮在底片和照片上加工,将影像朦胧和柔化以模拟印象派画作效果.将这种向绘画学习的摄影风格推向的是摄影连环会,他们组织的“伦敦沙龙”只允许绘画派的摄影作品参加展出,受到各国摄影团体的普遍支持,这种局面一直延续到20世纪20年代.
这类向绘画学习构图、布景和效果的摄影流派被统称为画意摄影,作品力求照片具有绘画式的画面效果和内在含义,希望以此使摄影也能够取得像绘画一样的艺术地位,然而这样对绘画语言的模拟和借用,却实际上使摄影从属于绘画艺术,难以真正表达出它独立的个性语言.
摄影艺术独立的契机来自摄影分离派.出于对画意摄影的不满,摄影家施蒂格利兹于1952年建立起新的团体,举起与传统画意摄影分离的大旗,提出革新的创作理念：他要求摒弃画意摄影中纯仿画手法,提出纯摄影主义的理论,力图强调摄影不仅在技术手法上、同时也在表达个体的个性意义上,更多考虑摄影本身的规律和特点.摄影分裂主义为摄影艺术指明了方向,摄影在之后的发展中沿袭着它的足迹不断前进.例如新即物主义摄影、美国直接摄影派、F64小组、FSA摄影纪实运动等都从摄影技术、表现手法、内容主题等方面进行纯摄影角度的探索和体验,主张以纯粹的摄影语言去发掘客观自然存在的“美”,不通过绘画的归纳创作、或者摄影后期处理如暗房加工等方式让艺术家对作品进行主观改造来完成艺术作品,从而完全摆脱了对绘画艺术模仿的束缚,确立了摄影艺术语言中“真实”美的原则.从20世纪20年始,纯粹摄影逐渐取代画意摄影成为摄影的主要形式.
然而以观念摄影、后现代摄影、主观摄影、超现实摄影等为代表的现代摄影各个风格流派,却对摄影语言的表达方式继续进行思考：摄影除了完成视觉表象上的如实记录外,能否进行有关内涵的探索和传达.这类摄影作品不拘泥于写实或非写实的拍摄题材和表现,而关注如何用摄影表达事物的精神内涵或摄影者的内在精神即精神的主观能动性在摄影活动中的作用.形式上他们认为可以任意使用技术手段去创作照片,因此剪辑、拼贴、乃至数字时代下的“模拟真实”再造,成为可以任意选取使用的表现手段.而在我看来,这实际上是针对纯粹摄影对画意摄影的否定之再否定.
从摄影发展的历程来看,艺术家们一直在摸索摄影语言的归属,即摄影艺术应该具有怎样的意味才能够使它成为一种独具魅力的艺术形式.在艺术探索的过程中,我们可以看到摄影与绘画有着千丝万缕的密切联系,它即师从绘画,却又企图摆脱绘画的束缚找到自己的存在方式.所以,必须理清摄影与绘画的联系与区别才能够真正理解摄影应当具有怎样的艺术“意味”.
绘画的“摄影意味”与摄影的“绘画意味”
提出绘画具有“摄影意味”包含着两层含义.一是指绘画以类似摄影的模拟现实与再现自然的方法,应用写实手法去传达藝术家审美理想的表达方式.绘画具有的这层摄影意味并不始于摄影术发明之时,而盛行在摄影术发明之前,可以追溯到古希腊甚至更早.西方绘画的经典写实传统曾经独享再现自然的权利,19世纪初的新古典主义则将这种写实传统发挥到极致.但是摄影术的发明使绘画逐步放弃了写实传统,但这反而使绘画艺术发展方向豁然开朗.一般比较普遍认同的说法是,当摄影术发明,绘画摆脱了客观外在形象的束缚,改之以象征和抽象的表现方式,开启了现代艺术之门.反观绘画再现自然的写实传统,也与摄影有着本质不同.美学家鲁道夫·阿恩海姆在《论摄影的性质》中描述绘画：“画家正在寻找和捕捉的东西显然不同于这一瞬间的事实等画家正是着眼于眼前的纷繁事物之中的某个永恒存在的事务”,而“摄影术作为一个侵犯者进入世界并且造成了骚扰”.与摄影着眼于“某一特定时刻在此存在的事物”不同,绘画通过形式将世界的理解进行了哲学式的概括、抽离和归纳,无论它是以写实还是抽象的表现方式都为了体现这样一种具有归纳性的艺术意味.
结论：关于摄影方面的的相关大学硕士和相关本科毕业论文以及相关摄影论文开题报告范文和职称论文写作参考文献资料下载。
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